Jean-Marc Collier

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Jean-Marc Collier (Belgio)
Pittore, illustratore, decoratore

Nato a Bruxelles, Jean-Marc COLLIER si appassiona al disegno e alla pittura sin dall’infanzia. Si è laureato in ingegneria civile all’Università Cattolica di Lovanio (UCL), dove è stato assunto come ricercatore e assistente urbanista prima di partire per due anni per lavorare per i Monumenti Storici algerini a Ghardaïa, un’oasi sahariana classificata nella Lista del Patrimonio Mondiale dell’UNESCO.
Nonostante l’interesse per la sua professione, si è reso conto dell’impotenza dell’urbanista, desideroso di pensare la città come un luogo dove vivere, nel mondo contemporaneo dominato dall’interesse economico e da una razionalità produttivista alla Le Corbusier. Decide quindi, con la complicità della moglie, Bernadette Cherton, stilista e scultrice, di fondare un laboratorio creativo intorno alla pittura, alle scenografie teatrali e all’architettura d’interni, prima di concentrarsi sulla realizzazione di affreschi interni ed esterni e spesso monumentali. Si distingue dagli altri artisti moderni per il suo approccio che fa rivivere la tradizione del laboratorio di pittura pre-classico. Si mette al servizio dei suoi clienti, siano essi principi e principesse (ce ne sono ancora nel Regno del Belgio), comuni, intellettuali, medici, ristoratori, funzionari pubblici o cassieri di supermercati. Adatta i suoi pennelli ai sogni (e alle possibilità economiche) dei suoi clienti, che eccelle nel svelare con un’arte della maieutica all’altezza della sua capacità di adattarsi a qualsiasi tipo di stile pittorico o storico. È capace di costruire un’opera originale nello stile di Hans Friedrich con la tecnica della linea tratteggiata di Georges Seurat, di decorare l’interno di un palazzo dei primi del Novecento con affreschi che ricordano Gustav Klimt, di costruire un affresco veneziano intorno a un lampadario di Murano. La sua conoscenza dell’ingegneria architettonica lo ha portato a realizzare affreschi monumentali commissionati da associazioni, aziende o enti pubblici. Così, il più grande è stato uno di quelli commissionati dal Comune di Anderlecht: oltre 1.000 m2 , una vera e propria impresa. Questi affreschi, all’aria aperta, in mezzo ai passanti, gli permettono di aprire un dialogo con i curiosi e di integrare nella sua pittura elementi in cui gli abitanti del luogo potranno riconoscersi. In questo modo, i suoi affreschi raccontano la storia di una persona, di una famiglia o di un’azienda. Ogni dettaglio diventa un riferimento, un’allusione o un simbolo. Jean-Marc Collier gioca così con lo spazio e il tempo, la prospettiva e i paesaggi in “vedute” e « trompe l’oeil » dove ogni dettaglio ha un senso per il cliente e per lo spettatore. I suoi affreschi si trovano sia in Belgio che in altri paesi europei.
Adotta un approccio simile nel suo lavoro su cavalletto, il più delle volte frutto di commissioni e con la stessa maieutica, di indagini sui sogni dei suoi clienti, così come nelle sue opere più personali. Affascinato dal rapporto tra vero e falso, tra reale e immaginario, la rappresentazione senza tempo dello spazio lo porta a mescolare luoghi e stili in un modo spesso surrealista (è belga, dopotutto) e onirico per creare mosaici urbani in cui si fondono edifici di epoche diverse. La sua pittura è un perpetuo interrogarsi del tempo fuso nello spazio e della loro poesia. Ma ha anche i suoi giardini segreti: attinge a innumerevoli diari di viaggi reali o immaginari, ai suoi quadri personali dove gli piace esplorare le proprie fantasticherie.
Poiché la maggior parte dei suoi dipinti sono acquistati da collezionisti privati o pubblici europei così come vengono prodotti, è stato, e spesso è, difficile raccoglierne abbastanza per le numerose mostre che gli vengono offerte.
Infine, quando se ne presenta l’occasione, si diverte anche ad illustrare opere.

Breve bibliografia:
Critica dell’approccio funzionalista nel campo dell’urbanismo: «Urbanisation et désocialisation urbaine» Reflets et perspectives de la vie économique, Tome XXIV, N° 2/3, mars 1985
Illustrazione di un libro: «Si l’Euro m’était compté/conté» testo di Thierry Vissol, illustrazioni di Jean-Marc Collier, Editions la Bohème, Paris, 1998
Jean-Marc Collier ha spiegato il suo approccio e la sua filosofia in un libro collettivo, a cura di Aurélie Choné «Villes invisibles et écritures de la modernité», Daniel Cohen éditeur, collection Orizons, 2012.
Sito web : http://www.jmc-peinturemurale.com/

Immagine in evidenza: Le fond du jardin

Intervista di Thierry Vissol

– Fin dall’infanzia sei sempre stato un disegnatore e un pittore compulsivo. Perché ha scelto di studiare architettura e ingegneria e non Belle Arti?

Per la semplice ragione che non ho scelto io! Mentre mi stavo avvicinando alla fine delle mie studi in umanistiche latine, mio padre mi chiese cosa avrei voluto studiare all’università. Quando gli ho detto che avrei voluto studiare all’Accademia di Belle Arti, la sua risposta è stata molto chiara: “È fuori discussione, la pittura è un bellissimo hobby, non un lavoro! » Come seconda scelta ho pensato all’architettura, per il disegno, in una scuola superiore come La Cambre a Bruxelles… non ancora abbastanza seria agli occhi di mio padre. Infatti, prima di chiedermi un parere, aveva già avuto la sua idea su quello che voleva che studiassi: gli studi di Ingegneria Civile all’Università di Louvain, un sogno personale che non era riuscito a realizzare a causa della Seconda Guerra Mondiale. L’architettura era l’unica concessione che poteva fare.
Con il senno di poi ringrazio mio padre per la sua autorità, per avermi imposto la difficoltà e il rigore. Quando avevo diciotto anni, volevo divertirmi. Circa dieci anni dopo, quando ho iniziato a guadagnarmi da vivere con la mia arte, mio padre era uno dei miei più grandi fan.

– Nel suo primo lavoro si è rivolto alla ricerca urbanistica piuttosto che all’edilizia, perché?

La città, la sua evoluzione e i fenomeni urbani in generale mi affascinano da molto tempo e Bruxelles, la mia città natale, è per me fonte di fascino. Per capire il mio orientamento è essenziale guardare agli anni 1975-1978, un periodo in cui nella futura capitale d’Europa il termine “bruxellizzazione*” ha assunto il suo pieno significato. La mia tesi finale dal titolo “Saggio sulla riparazione di un tessuto urbano” sarà decisiva per il mio futuro. Herman Becker, urbanista di origine tedesca, con una sensibilità straordinaria e una mente critica e analitica impressionante, sarà il mio mentore per la fine dei miei studi. Sosterrà la mia candidatura come ricercatore e assistente in pianificazione urbana presso l’Università.
Nota: “Bruxellizzazione” è un termine usato dagli urbanisti per indicare gli sconvolgimenti urbanistici di una città consegnata ai promotori immobiliari a scapito dell’ambiente di vita dei suoi abitanti, con il pretesto di una necessaria “modernizzazione”.

Fin dall’inizio della sua carriera, è stato segnato da due opere che costituiscono ancora una sorta di linea di forza nel suo lavoro: “Les villes invisibles” di Italo Calvino e “La poétique de l’espace” di Gaston Bachelard. Può spiegare le ragioni di questi favoriti?

Come si spiega una cotta? Se non ascoltando le nostre intuizioni?
Nelle “Città Invisibili” di Italo Calvino, è chiaramente l’immaginazione sviluppata nella descrizione delle città scoperte dal suo eroe Marco Polo, ma anche il rapporto speciale che egli sviluppa con il Gran Khan, suo datore di lavoro. In un certo senso, è l’interprete dei sogni del suo sponsor. Che bel lavoro! Per quanto sia improbabile che lo sia! Ci torneremo sopra.
Gaston Bachelard, scienziato, filosofo e poeta, dà allo spazio in cui viviamo una dimensione che sfugge ai progetti degli architetti piegati sul loro tavolo da disegno o concentrati sui loro computer, una dimensione che suscita sogni.

– Il secondo shock che ha indirizzato la tua evoluzione verso la pittura è la tua esperienza nella città sahariana di Ghardaïa, una sorta di sintesi tra Calvino e Bachelard. Cosa l’ha segnata di più in questo viaggio fuori dal tempo?

La rottura totale con la routine quotidiana di una vita che sono stato costretto a lasciare per adempiere agli obblighi di un servizio civile in un paese cosiddetto “in via di sviluppo”, poiché mi ero rifiutato di fare il servizio militare imposto dalla legge belga in quel momento. Cambiamento di cultura, di luogo di vita, di clima, di lavoro, di tutto… E imparare a conoscere la solitudine. Ma anche e soprattutto un nuovo rapporto con lo spazio, con l’immensità, con la distanza. Vivere in una casa in fondo al palmeto, dove l’oasi incontra il deserto, dove il cielo infinito incontra la terra. Tra l’isola e l’oasi ci sono alcune somiglianze, come tra il mare e il deserto, non ci si avventura con leggerezza.

– Di ritorno da Ghardaïa, dopo qualche esitazione, si decide di abbandonare l’architettura e l’urbanistica per dedicarsi alla pittura. È il risultato dell’impasse umana in cui si trova l’urbanistica moderna, della distanza sempre maggiore tra la città e i suoi abitanti, della perdita della memoria scritta nelle pietre, una realtà particolarmente crudele a Bruxelles dove capolavori architettonici come la Maison du peuple de Horta, dove le abitazioni medievali del Coudenberg sono state distrutte senza scrupoli?

Non ho mai deciso di rinunciare all’architettura e all’urbanistica, ma lavorare in uno studio di architettura convenzionale o in un ambiente accademico come quello che ho lasciato prima di trasferirmi all’estero non mi piaceva molto. Penso di essere resistente a qualsiasi forma di autorità e il fatto di aver iniziato a vivere con una stilista indipendente che lavorava per il teatro, il cinema e la pubblicità è stato senza dubbio un fattore determinante. Se a questo si aggiunge l’inerzia dei fenomeni urbani, stretta tra gli interessi dei costruttori e le visioni a breve termine dei politici, il poco spazio lasciato alla creatività e all’immaginazione nel campo dell’edilizia e dell’urbanistica… Ho dovuto scegliere tra una professione che in teoria mi attirava ma che in pratica rischiava di deprimermi, e una professione, certo improbabile, ma in cui potevo sbocciare, sognare e riconnettermi con le mie aspirazioni più profonde.

– E’ per affermare questa nostalgia dello spazio urbano a livello umano che ha deciso di dedicare gran parte del suo lavoro alla pittura monumentale, dove l’architettura dell'”impossibile che diventa probabile” gioca un ruolo predominante? E perché è importante il dialogo con i clienti, i passanti e i curiosi?

No, nessuna nostalgia, ma la volontà di trascendere, di andare oltre le mura che ci circondano, di cancellare i confini tra pittura e architettura. Inoltre, quando un affresco è integrato nello spazio pubblico, le interazioni con i passanti – gli utenti di questo spazio sono frequenti. Condividere la propria felicità di esercitare una professione come quella del pittore rispondendo alle domande o alle aspettative del pubblico è essenziale, tanto più che sono un sostenitore del deconfinamento dell’arte. Perché limitarsi a musei o collezioni private? L’arte ha un ruolo importante da svolgere nello spazio pubblico.

– Sogni e immaginazione sono i due punti di forza della sua narrazione pittorica che la portano ad utilizzare la tecnica del trompe l’oeil. È influenzato dall’arte barocca, dall’arte italiana e qual è il suo pittore preferito di questo periodo?

La tecnica del trompe l’oeil nell’arte barocca è intesa a dare un’illusione di spazio. Per me questa tecnica mi permette di garantire un passaggio armonioso tra la realtà architettonica del contesto e un’altra dimensione, dando il giusto spazio alla fantasticheria e all’immaginazione. Il trompe l’oeil non è un fine, ma un mezzo per raggiungere il mio obiettivo. Inoltre, amo l’Italia, il suo patrimonio, la sua cultura, i suoi centri storici, i suoi paesaggi, da nord a sud, passando per Roma, naturalmente!
I miei pittori preferiti del periodo barocco si chiamano Canaletto, Guardi, Tiepolo, ma non sono certo i più barocchi, e ho un’attrazione infinitamente maggiore per le composizioni di Claude le Lorrain che per le esibizioni di carne firmate Rubens!

– Ha sempre girato ovunque vada con un quaderno che riempi con schizzi, disegni, spesso con l’inchiostro, e riflessioni personali. Quanto è importante per lei il disegno a matita o a inchiostro e le piace anche disegnare opere finite su fogli di carta più grandi?

L’album da disegno, il quaderno da disegno, il taccuino… è soprattutto un fedele compagno, sempre all’ascolto del mio delirio grafico o poetico. È una sorta di memoria sostitutiva, permette di fissare sulla carta momenti di felicità dando loro un ancoraggio nel tempo, a volte invita semplicemente a sedersi, a sistemarsi, a guardare. La tecnica non ha molta importanza. Quando ti piace disegnare; penna, matita o matita, tutto va bene!
Naturalmente, mi piace anche disegnare su un bel foglio grande di carta di buona qualità, ma l’approccio è diverso. Il taccuino è mobilità, libertà, disegnare o scrivere qualsiasi cosa, ovunque e in qualsiasi momento. Il bellissimo grande foglio di carta è più che altro un lavoro di laboratorio.

– Il suo approccio pittorico si basa su quello che lei chiama “realismo poetico“. Può spiegare in cosa consiste questo approccio?

La realtà, la sua osservazione e analisi, non sono la fine ma il punto di partenza, il trampolino di lancio per raggiungere un mondo immaginario con una dimensione onirica e poetica. Lei ha parlato, in una precedente domanda, dell'”impossibile che diventa probabile“, è senza dubbio un asse importante del mio approccio che associa al realismo dei riferimenti pitturali, storici architettonici, alle fonti di ispirazione e alla volontà di andare oltre, letteralmente e figurativamente, mantenendo una certa credibilità nella messa in scena degli elementi che compongono la composizione del quadro. Anche il lato narrativo occupa un posto importante nel mio approccio pittorico, molti dei miei dipinti raccontano una storia, fanno una domanda o sono semplicemente inviti a un viaggio per il quale non c’è bisogno di fare i bagagli. È essenziale per me dare un senso a un dipinto, offrire al pubblico la possibilità di fare una propria interpretazione, una propria fantasticheria meditativa. Se a questo si aggiunge un grande interesse per l’armonia nella ricerca della prospettiva e della luce, si può riassumere il mio approccio.

– Un altro riferimento architetturale si trova in un gran numero delle sue opere: il palazzo di giustizia di Bruxelles, costruito dall’architetto Joseph Poelart, descritto dagli abitanti del quartiere dei Marolles, espulsi dalla polizia, come “Skieven architect” (“architetto contorto” in dialetto marolliano). Perché questo fascino?

Mi sono fatto carico di questo straordinario palazzo per tutto il periodo delle mie scienze umane. Questo edificio di 26.000 m2, costruito nella seconda metà del XIX secolo in un eclettico stile greco-romano, è senza dubbio uno dei più grandi edifici in pietra tagliata del mondo. Più grande della Basilica di San Pietro, impone ai visitatori e ai contendenti uno spettacolo che non avrebbe dispiaciuto un certo G.B. Piranesi (architetto e incisore italiano del XVIII° secolo), che mi piace particolarmente. Ma al di là di questo fascino di primo grado, ci sono alcune domande sulla rappresentazione simbolica della Giustizia e sull’attuale decadenza di questa venerabile istituzione.

– Nel suo lavoro più personale, esplora i suoi sogni, sempre con la stessa qualità onirica surrealista, che fa spazio a strizzatine d’occhio umoristiche. A differenza di artisti come Marcel Duchamp o Marcel Broodthaers, il suo umorismo non è né una critica sociale né una caricatura. Qual è per lei il rapporto tra arte e umorismo?

Certamente non ho molto in comune con i due Marcel di cui sopra o anche con un buon numero di artisti cosiddetti contemporanei. Per me amore e umorismo sono i due capezzoli della vita. Per quanto riguarda il rapporto tra arte e umorismo, lo vedo più come un ammiccamento di complicità con il pubblico attraverso una sottile traccia secondaria che mira più a provocare un sorriso e una riflessione invitante che a scioccare, o a prendere la gente per stupidi, e a fare dell’arte un oggetto di speculazione. La “Merda d’artista” di Manzoni, l’epigono di Marcel Duchamp, venduta a Londra da Christie’s nel 2015 per circa 200.000 euro – che senso ha questo piccolo barattolo ?

– Qualche anno fa ha deciso di cambiare vita, di lasciare la sua città, Bruxelles, di abbandonare la pittura murale, di dedicarsi esclusivamente alla pittura da cavalletto. Questo significa che ora solo la sua immaginazione è la sua guida per giocare al Marco Polo esploratore dei suoi sogni, che vuole chiudere in qualche modo il cerchio aperto con la lettura di Calvino e Bachelard?

Deciso di cambiare la mia vita, non proprio. Cambiare l’ambiente, sì senza dubbio. A forza di dipingere città immaginarie e orizzonti lontani sulle pareti altrui, è giunto il momento di attraversare il muro per avvicinarsi alla Natura. Sono molto fortunato di poter vivere della mia arte. Vivere della propria arte, credo sia un’arte in sé. Il confine tra arte e artigianato non è molto importante finché si gode del proprio lavoro.

Marco Polo, il mio doppio, più libero che mai, si avventura ora sui sentieri dell’immaginazione, con in tasca “la poetica del sogno ad occhi aperti” e “l’intuizione del momento” dell’amico Gaston (Bachelard). Il cerchio è completo, a meno che non si giri una pagina per iniziare un nuovo capitolo che potrebbe intitolarsi “L’apprendistato di un apprendista saggio“. Un capitolo in cui il pittore-disegnatore compulsivo è più che mai ansioso, con pennelli o matite, di dichiarare il suo amore per la bellezza e di sfidare con umorismo un mondo che a volte perde un po’ la ragione.